Продолжаем серию интервью с представителями фотошкол. Сегодня мы беседуем с фотографом Ликой Чекаловой, ведущей мастер-классов, соучредителем петербургской фотошколы PRO|PHOTOSCHOOL.
Лика, в информации о вашей фотошколе написано, что вы намерены изменить людей, научить их видеть и чувствовать новое. Как Вы думаете, ваши потенциальные ученики сами готовы меняться?
Начнем с того, что когда человек овладевает новыми знаниями и умениями, это его уже автоматически меняет. Поэтому ничего нового мы этим утверждением никому не сообщаем. Просто необходимо понимать, что ключевое условие получения хороших фотографий — это совершенно определенный способ восприятия действительности. Человек должен видеть кадр — иначе он его никогда не снимет. Полагаться в этом отношении на камеру бессмысленно — у нее нет глаз, чтобы видеть, мозга, чтобы обдумывать, души, чтобы чувствовать. Она просто выполняет то, что вы ей велите. А если вы не знаете, что ей повелеть, она и снимет в ваших руках непонятно что. Научить хорошо снимать — это и означает научить видеть удачный кадр, чувствовать, что он сообщает, знать, что вы этим хотите сказать. Чем мы и занимаемся. И, как показывает практика, у нас это получается.
Кого больше среди пришедших обучаться — тех, кто действительно хочет научиться «видеть и чувствовать новое» или тех, кто хочет побыстрее начать «классно фоткать»?
Может, я идеализирую своих студентов, а может, просто к нам идут те, кому нужен именно наш подход, — но народ, поступающий на наши курсы, как-то сразу понимает, что картинку надо видеть, а не щелкать до тех пор, пока не снимется само. И что этому можно и нужно учиться. Поэтому претензий вроде «я уже купил профессиональную камеру, выучил инструкцию наизусть и снимаю целую неделю, почему у меня до сих пор не получаются профессиональные фото, наверно, вы плохо учите» я не слышала, к счастью, ни от кого. Еще до начала занятий, на организационных собраниях, я всегда задаю будущим студентам вопрос, зачем они снимают или собираются начать снимать. И про «побыстрее начать классно фоткать» никто не говорит, 90 % отвечают, что приоритетно желание самореализоваться, разнообразить свою жизнь творчеством, научиться улавливать и запечатлевать то, что заставляет переживать, чувствовать, действовать — то есть, саму суть жизни. Еще 10% говорят о том, что хотели бы освоить новую профессию. Но таких, кто идет за быстрым успехом и, если угодно, халявным заработком, у нас как-то не случается. Вероятно, мы просто правильно себя позиционируем, и такие люди отсекаются еще до первого обращения.
Вы говорите, что обучаете людей творческой фотографии. Как Вы считаете, готовы ли люди к творчеству? Есть ли те, по кому сразу видно, что вы не сможете его чему-то научить?
Да, мы так говорим — и говорим это сразу. Поэтому у любого желающего есть возможность сначала задать этот вопрос себе, а потом решить, стоит ли ему идти к нам. А насчет тех, кого мы не можем ничему научить, я уже в ответе на предыдущий вопрос все сказала. Единственный критерий такого отсечения — это отсутствие желания развиваться и расти, работать, добиваться. Тех, кто хочет как можно быстрее и проще стать как можно круче, мы не учим. Потому что это невозможно, а невозможному и научить нельзя.
Насколько я понял из рекламы, у вас три целевые группы — совсем начинающие, более опытные фотографы и профессионалы. Какая группа самая многочисленная?
Обычно фотошколы начинают набор с «новичковых» групп — видимо, кажется, что это проще всего, можно рассказывать, что придется, и люди поверят. Мы пошли другим путем. Фотошкола PRO|PHOTOSCHOOL создана профессионалами в фотографии, у каждого из нас своя специализация, своя «фишка», в которых мы уверены. Поэтому нам показалось более правильным в первую очередь учить тому, что знаем мы, а не тому, что знает кто угодно. Так что в первую очередь мы обратились к тем, кто нас знает, и кто хотел бы, чтобы мы поделились своим опытом, своими наработками. Так и получилось, что самая многочисленная наша аудитория на данный момент — это участники профессиональных тематических групп и мастер-классов. Думаю, ситуация изменится, ведь фотолюбителей в принципе гораздо больше, чем профессионалов. Но наличие работающей программы подготовки для профессионалов — это уже наше безусловное преимущество, важное как для опытных фотографов, так и для любителей, у которых есть возможность «вырасти» с нашей помощью, от нуля до профессионального уровня.
Недавно вы открыли серию летних интенсивов по студийной съемке для «чайников». Чем отличаются эти курсы от множества подобных? Стараетесь ли вы за столь короткое время научить человека видеть, а не просто нажимать на кнопку?
Это мы стараемся делать всегда. И именно поэтому важным условием участия в данных интенсивах является некоторый опыт самостоятельной съемки на доступном свете. Я твердо уверена в том, что пускать в студию человека, который вообще никогда не снимал, категорически нельзя. Ведь в студии мы с помощью приборов имитируем то или иное освещение, доступное нам в жизни. А если человек в принципе никогда не задумывался, какой бывает свет, как он ложится на объект, как изменяет его — что он, простите, сможет сымитировать? Да ничего, разумеется. Разве что преподаватель за него все сделает. И вот тогда получается пустое нажимание на кнопку, результат которого участник такого «мастер-класса» никогда самостоятельно не повторит. У нас такая практика отсутствует в принципе — наоборот, при постановке света преподаватель пользуется аналогиями из натурного освещения, рассказывает и показывает, что и с помощью чего мы будем имитировать, дает возможность все это записать или заснять, чтобы студенты могли дальше работать самостоятельно. В частности поэтому мы всегда начинаем с одного источника и уделяем вариантам такой съемки больше времени. А вопрос, успеваем ли мы за столь короткое время — 4 часа — дать весь необходимый инструмент — это уже вопрос нашего педагогического профессионализма, который позволяет поддерживать высокую интенсивность подачи материала.
Одна из особенностей курса студийной съемки — то, что новички-фотографы обучаются совместно с визажистами. Предполагаю, что на курс по визажу идут уже далеко не новички. Удается ли им срабатываться? Не происходит ли конфликта из-за разницы в скорости усвоения информации?
Вообще никакой проблемы тут нет, одни сплошные плюсы. Группы занимаются независимо друг от друга, в параллельном режиме — формат помещения, в котором мы работаем, это позволяет. Фотографы получают уже готовый результат работы визажистов и проводят съемку, пока визажисты готовят другую модель в другом образе. А поскольку на курс по визажу идут как раз не новички, которым всегда нужен наглядный рабочий материал и результаты труда в портфолио, то соседство фотографов, которые все это обеспечивают, им только на пользу. А фотографы в свою очередь довольны возможностью работать с моделью, чей образ подготовлен с учетом особенностей студийного освещения.
Насколько я понял, на всех курсах вы работаете с профессиональными моделями. Важно ли, по-вашему, для ученика, чтобы его первый опыт студийной съемки был именно не с моделями-любителями?
Безусловно важно. Профессиональная модель для новичка даже важней профессиональной камеры. Ведь большая проблема начинающего фотографа заключается в неумении работать с объектом съемки, объяснить ему, что от него нужно. И неудивительно — он еще и с камерой толком не разобрался, про экспозицию позавчера узнал, а тут еще и человеком командовать надо, да так, чтобы он на фотографиях красиво получался. Хорошо, если папа с мамой постарались, и человек такой, что его как ни сними, красиво будет. А если нет? И тут сразу две больших опасности. Либо все карточки будет ставить преподаватель, и студент так никогда и не научится работать самостоятельно. Либо будет постоянное разочарование, что ничего не получается — в результате человек может бросить учебу. Работа с профессиональными моделями, которые приучены к работе на камеру, знают свои «козырные» позы и ракурсы, привыкли общаться с фотографами и «ловить» их настрой, эти риски сводит к нулю. Преподаватель имеет возможность сформулировать для модели общую задачу и не выстраивать каждый кадр, а студенты имеют возможность преодолеть свою неуверенность, потому что модель сумеет, ориентируясь на ключевые слова их просьб, встать так, что снимок получится «вкуснее» всего, что они снимали до этого. Конечно, это своего рода игра, и работать с моделью нужно уметь — и мы, кстати, этому учим — но эта игра работает на человека, а не против него, стимулирует снимать и учиться, а значит, она правильная и нужная.
У людей, даже достаточно давно снимающих, есть психологический барьер перед первым походом в студию. Вы его разрушаете?
Лично я — видимо, да, причем задолго до входа в студию. Честное слово, никогда не видела, чтобы студент, пришедший со мной на студийную практику, ничего не снял. Я фотограф хороший, и педагог хороший. И все остальные у нас такие же. Нам доверяют — просто нет причин не делать то, что мы говорим.
С другой стороны, я не раз наблюдал картину, когда люди, научившись работать с приборами и освоив пару-тройку световых схем, останавливаются на этом, считая, что знают все о студийной фотографии. Вы развенчиваете этот миф?
Обязательно, и причем в довольно жесткой форме — начиная с утверждения, что само словосочетание «световая схема» уже некорректно. Схема — это что-то универсальное, на все случаи жизни. А одинаково освещать во всех случаях жизни можно разве что танковые болванки — у людей как минимум черты лица и телосложение разное.
Я считаю, что останавливаться вообще нельзя, и если человек творческой профессии остановился и долбит годами одно и то же — даже если он это делает мастерски — это большая беда. А уж если он остановился на уровне, который и посредственным назвать можно с натяжкой — это совсем никуда не годится. Конечно, бывает, что человек не движется дальше не потому что доволен, а потому что потерялся, не знает, как расти дальше. Таких мы всегда стараемся увидеть и предложить им возможность для обучения, которое именно им будет полезно. У нас даже есть программы, которые проходят по внутренней категории «волшебный пинок» — они и прорабатываются с целью подтолкнуть таких «потеряшек» к дальнейшему росту, и слова лекций подбираются специальным образом, и места съемок, и модели. Но если человек доволен таким своим уровнем, мол, «пипл хавает», — вот это, пожалуй, единственный повод сказать абитуриенту или студенту, что мы не готовы с ним дальше работать. У нас люди действительно растут, планка очень высокая, и держать в группе таких всем довольных бездарей — это удар по репутации.
Я нередко сталкивался с тем, что люди, называющие себе фотографами, не знают даже самых известных имен в мировой фотографии. Как вы считаете, насколько важно для начинающего фотографа знать историю фотографии, иметь представление о работах признанных мастеров? Вы отводите этому время в вашей программе?
Я считаю, что фотография в этом смысле ничем не отличается от любого другого вида изобразительного искусства. И не только изобразительного. Почему любому художнику очевидна польза от изучения истории искусств, а для фотографов это открытый вопрос? Почему любому виду творчества не зазорно учиться, копируя классиков, чтобы затем прийти к собственному пути и стилю, а фотографии не надо учиться вообще? Это какие-то двоечники придумали. Разумеется, мы говорим кого смотреть в каждой конкретной теме, рассказываем, как происходило становление того или иного направления в фотографии, и даже конкретные прикладные вещи показываем в основном на примерах известных авторов и всегда рекомендуем запоминать имена.
В одной из ваших программ обучения вы заявляете, что разделение фотографии на «арт» и «коммерцию» — ложь. Рискну предположить, что среди учеников обязательно найдутся несогласные. Бывает ли такое? И вообще, бывает ли, что ваши ученики вступают с вами в спор по тем или иным принципиальным вопросам?
Бывает, конечно, и мы это не пресекаем. Ну, кроме тех случаев, когда человек спорит, просто чтобы поспорить — бывают такие любители. А в основном дискуссия — это признак того, что есть реальный интерес к вопросу, что это небезразлично. А это всегда радостно. Что касается разделения на арт и коммерцию, то с нашей позицией, думаю, будут спорить не только ученики, которые «плавают» в этом вопросе и являются жертвами общественного мнения, но и большинство российских участников рынка. Просто потому, что у нас единицы умеют снимать арт, который был бы достоен представлять солидный брэнд — в отличие от Запада. Посмотрите на Ляшапеля, на Майзеля, Рекуэнсо — это первые, кто пришел в голову. Это же арт — но они признанные рекламные фотографы. Вот разделение на художественную и техническую съемку действительно присутствует, и техническая съемка как разновидность коммерческой — каталожка, позиционка — это отдельный вид фотодеятельности. А что касается хорошей художественной съемки, то для чего она используется — это уже второй вопрос.
Ваша школа выдает сертификат об окончании курсов. Есть распространенное мнение, что для фотографа лучший документ — это его портфолио. Ваш сертификат — чисто психологический фактор или он действительно для чего-то может потребоваться?
Да не даем мы никаких сертификатов. И это принципиальная позиция. У нас есть практика авторского свидетельства — это когда народ идет на конкретный авторский спецкурс или мастер-класс, его изобретатель и руководитель может выдать свидетельство, что человек там был. Ему будет приятно вспомнить, ну и при знакомствах в профессиональной среде полезно. А сертификаты выдавать — это, на наш взгляд, профанация. Потому что сам такой документ — это удостоверение соответствия уровня мастерства его обладателя какому-то официальному стандарту. Откуда в фотографии официальные стандарты? И какое, скажем, у выпускника начального уровня вообще мастерство? А вот возможность снимать больше, в какие-то проекты с нами вписываться в качестве вторых фотографов — это даем обязательно, мониторим предложения о съемках за портфолио, и если находим тему стоящей, оправляем туда наших студентов. Разумеется, наиболее способных и усердных. Это и есть лучшая рекомендация.
А какие цели вы ставите перед учениками? Как определяете, достигнуты они ли нет?
Целеполагание — это вопрос индивидуальный, цели каждый ставит перед собой сам. Ни за одного своего студента я никогда не смогу ответить, зачем он пришел в фотографию. А вот задачи — это другое дело. На каждом этапе обучения задачи разные. Скажем, снять что-то. Тут критерий просто — верю или нет. Технически карточка может быть сто раз качественной, но если той души, той эмоции, которую я попросила в нее вдохнуть, нет, если она не живет, значит, надо переснять. Или ответить на какие-то вопросы — например, что тебе не нравится в твоих фотографиях, или кто твой зритель и так далее. Такие осознания чрезвычайно важны для дальнейшего развития, если ни о чем себя не спрашивать, очень легко забуксовать. Ответы обычно формулируем вместе, диалог происходит. Если занимаемся чисто прикладными вещами, скажем, учимся моду снимать, то задачи понятны — это суть самой такой съемки: хорошо ли показаны вещи, складываются ли из полос развороты, выдержано ли их количество, будет ли работать такая реклама.
Каковы ваши ощущения от результатов обучения уже выпущенных групп? Вы вот обещаете научить студентов осознанному подходу к процессу создания фотоизображения. Как по-вашему, это удается?
Мы тут выше говорили о целях для студентов, а это вопрос про цель для преподавателей. В конечном счете, наша цель практически — это отучить людей снимать случайные кадры. Есть у тебя идея, и если ты ее снимаешь именно как задумал, как чувствуешь, и технически, и художественно — значит, умеешь снимать, значит, мы свою миссию выполнили. А пока студент говорит «ой, у меня хорошая карточка получилась!» — в смысле, что сама собой получилась, случайно, без его как бы участия — это значит, нам еще работать. А как удается — про это можно трактат целый написать, тут очень много факторов складывается. А можно просто сказать — мы любим и умеем свое дело, вот и удается.
Спасибо, Лика. Надеюсь, ваши студенты добьются успеха и мы не раз увидим их имена и работы на выставках и в журналах.
Беседовал Михаил Загорский, Photo-Study.ru
Фото: Alexander Kolpakov